ROBERTO PANUCCI Fotografo Jazz di Roma

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Sab. 5/12/2009 MOSTRA FOTOGRAFICA
ROBERTO PANUCCI  Fotografo Jazz
Kinà Art Cafè
C.so Trieste 49/a  (MARINO) >> more Locali di Roma
Tel 0693667719 – 0693661096
h.19:00

Ho conosciuto Roberto all’inizio della primavera scorsa, durante un concerto al 28diVino, vicino piazza Ragusa. Quella sera suonava Luca Nostro, pregiato chitarrista romano con il suo >> Organ Trio. Roberto era lì per fotografare il palco e con lui, come è mia consuetudine fare alla fine di ogni concerto con chi fa le foto, scambiai i biglietti da visita. L’indomani ricevo da Roberto in mail alcune di quelle foto e per me è stato un vero ‘colpo di fulmine’ artistico e una rivelazione di talento.

Tecnicamente, eccellente. Mi è difficile pero’ dare una definizione al suo modo di fotografare, sembra quasi che il suo occhio riesca a centrare sempre il momento in cui, quella piccolissima piega del viso o goccia di sudore impervista, particolari apparentemente insignificanti, riescono invece a trasmettere l’intero stato d’animo dell’artista e per assurdo a far ‘sentire’ la musica, fissata dall’obiettivo di Robero Panucci.

Roberto spesso ringrazia tutti, compresa la redazione di Romalive, per avergli dato spazio e fiducia, basti fare un giro sul suo sito ufficiale per leggere le decine di pensieri a lui rivolti dai musicisti, dalla stampa, dai noi blogger. Ma la verità è che questo Artista associa al grande talento che la vita gli da’ una professionalità e serietà nel lavoro che pochi hanno. La sua  è la passione ed è contagiosa.

<<Mesi fa, quando tutto è iniziato non riuscivo a credere a quello che stava accadendo. Artisti che per me rappresentavano dei miti, degli idoli del jazz contemporaneo distavano meno di un metro da me ed io stavo lì a fotografarli, scoprendone i pregi, i difetti, catturando le loro emozioni e la loro musica in fotografie, le mie fotografie: un’emozione indescrivibile!!!

Poterli vivere e scoprire, essere partecipi di un evento e viverlo da dentro mi faceva emozionare come non mai!! 

Non potrò mai dimenticare l’esperienza vissuta durante il sound check di Maria Pia de Vito, io accanto a lei appoggiato al piano e lei a suonare – per me – le mie sue canzoni preferite, oppure gli abbracci di Fabrizio Bosso dopo qualche tempo che non ci eravamo più visti.

L’educazione e la timidezza di Javier Girotto, il suo suono incredibile, il suo respiro, che ad un metro da lui sentivo entrare dentro me come una sofferenza, come un dolore, durante l’esecuzione di un brano dedicato ai desaparecidos!! L’umanità di Marco Siniscalco alle tre di notte davanti ad una birra, sotto le stelle di Villa Celimontana o l’umiltà di Franco Cerri che ad 84 anni ancora si emoziona come al primo concerto !!!

E ogni sera è una sfida! Una gara tra me e loro! Cercare di avvicinarsi entrando in sintonia oppure allontanarsi nel rispetto della loro timidezza o riservatezza! E quando riesci a trasmettere l’emozione, la loro emozione e la mia di spettatore privilegiato, tutto sembra, come il tempo in un attimo congelato dal clic! O come la goccia di sudore che scivola sulle ciglia di qualcuno che guardandomi negli occhi mi regala un sogno. Il suo sogno e la sua musica!

Spero davvero che le mie foto trasmettano tutti i miei mille sogni e le mille emozioni che ogni sera accanto a loro provo ascoltando la musica dei miei artisti preferiti! E se certe volte, guardando le mie foto lo spettatore si fermerà un attimo rapito da quel suono e da quel sospiro allora vorrà dire che le mie lacrime di gioia che talvolta scorrono sono arrivate fino a lui!! In quel sottile filo che unisce l’artista, il fotografo e lo spettatore, come quel qualcosa di magico che ci fa sentire parte unica di un sogno.>>

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>>> BIOGRAFIA su Romalive.biz

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BIOGRAFIA: Roberto Panucci

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joy garrison 

Nato a Roma il 10 Ottobre 1965. A 13 anni apprende grazie al suo insegnante di Tecnica a stampare in bianco e nero in camera oscura. Innamoratosi della fotografia decide di approfondire la tecnica presso l’IPSIA Panfilo Castaldi di Roma, specializzandosi in Fotoriproduzione e ottendendo poi un diploma in Arti Grafiche.

Inizia da subito a lavorare nel campo pubblicitario ma continua  a coltivare la passione per la fotografia che cresce di pari passo con la passione per la musica Live, scoperta sin da giovanissimo e che comincia a coltivare frequentando pub e sale concerti dove ascolta e rock, la fusion, ed in particolar modo il JAZZ.

(nella foto: enrico rava)

Nel marzo 2009 al concerto dei Segnali Project, dove Roberto stava fotografando, avviene un incontro con Michele e Cinzia Villari che segnerà un grande cambiamento nella sua vita.

Rimasti entrambi affascinati e colpiti dalle foto lo invitano a fotografare alla manifestazione Percorsi in Jazz all’Auditorium di Santa Cecilia, dove Michele Villari si esibisce insieme ad altri grandi del Jazz come Javier Girotto, Roberto Gatto, Stefano Pagni, Andrea Polinelli, direttore d’orchestra e docente presso la Fonderia Delle Art,  ed altri ancora.

Da allora alle successive esperienze con Cinzia e Michele Villari e altre compagnie teatrali,  Roberto inizia a scattare nelle grandi manifestazioni musicali come Villa Celimontana Jazz Festival, Summertime alla Casa del Jazz e inizia, come lui stesso ama dire “un percorso vorticoso che lo ha catapultato in una fantastica avventura”. Molti grandi artisti del jazz lo apprezzano per le sue foto ma anche per le qualità umane, per quel suo modo di essere ‘accogliente’  e quella sua abilità nel raccontare la musica attraverso delle immagini tanto vive e significative. Questo gli consente spesso di avere libero accesso con la macchina fotografica anche nei back stage per i cogliere momenti non musicali.

Vi consiglio di visitare il suo sito per scoprire tutte le cose bellissime che i dicono di lui. 

 >> WEB

>> MOSTRE IN CORSO (28.01-28.02.2010)

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solo alcune delle Collaborazioni di Roberto Panucci:

Villa Celimontana Jazz (fotografo ufficiale), Alexanderplatz (fotografo ufficiale) Ciampino Jazz (fotografo ufficiale) Ponte Milvio ‘Musica senza Confini’ (fotografo ufficiale) 28diVino jazz (fotografo ufficiale) Conservatorio di Santa Cecilia ‘Percorsi in Jazz’ ‘Festa Europea della Musica al Campidoglio, Estate al parco Meda Tiburtino, Teatro Arciliuto Jazz, Teatro del Sogno Jazz, Nutrimenti Jazz, Terni Summertime, s. Louis College of Music, Casa del Jazz, The Romans a Castel S. Angelo, Charity JAzz& Blues, Circolo degli Artisti, Geronimo’s, Room26, Stazione Birra, The Place, etc…

ANTONELLA VITALE – BIO & DISCOGRAPHY

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Antonella Vitale, Italian Jazz Vocalist

SHORT BIO Ha iniziato i suoi studi musicali nel 1990 presso la Scuola Popolare di Musica Testaccio di Roma, dove ha frequentato corsi di canto con Giuppi Paone e pianoforte con il Maestro Andrea Beneventano e i laboratori di improvvisazione jazz tenuti da Nicola Stilo e Roberto Ottini, entrando a far parte della big band di Danilo Terenzi come cantante solista.

Ha cantato in varie formazioni di Trio e Quartetto con Andrea Beneventano, Nicola Angelucci, Pietro Ciancaglini, Lorenzo Tucci, Francesco Puglisi, Nicola Stilo, Stefano Sabatini, Alessandro Marzi, Eddy Palermo, Nicola Puglielli, Aldo Bassi, Marco Valeri, Marco Loddo, Claudio Colasazza, Gianni Savelli, Mauro Verrone, Mauro Battisti, Carlo Battisti, Stefano Cantarano, Gianluca Renzi, Stefano Nunzi, Cinzia Gizzi, Andrea Avena, Massimo D’Agostino, Paolo Tombolesi, Paolo Recchia, Gerardo Di Lella Big Band, Enzo Scoppa, Fabrizio Bosso, Luca Bulgarelli, Antonello Vannucchi, Marcello Di Leonardo, Massimiliano Coclite, Mauro De Federicis, Luca Bulgarelli, Riccardo Biseo, Gerry Popolo, Claudio Colasazza, Fabrizio Mandolini.

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DISCOGRAFIA

ULTIMO CD:

2010. L’elegante voce di Antonella Vitale, matura ed equilibrata, offre un’incredibile performance attraverso brani di musica italiana, scelti in maniera pressoché casuale “Random”, appunto nel nostro ”passato prossimo” musicale. Con lei, un gruppo di musicisti dal “grande suono”, in grado di seguirla su percorsi impegnativi di un pop elevato ad un grado di raffinatezza inusuale. Una registrazione effettuata con un approccio ricercato e diretto, dove gli strumenti sono stati “ripresi” e non “ricreati” per conservarne il carattere e la dinamica, il respiro e l’emozione, pur mantenendo la precisione ed il controllo della performance in studio. Un disco da ascoltare tutto di un fiato per apprezzare al meglio le doti di impianti estremamente raffinati, pronto a diventare il prossimo riferimento negli ascolti più audiophile.

Nel giugno 2008 viene pubblicato  “Raindrops” il nuovo e terzo CD prodotto da Velut  Luna e distribuito Egea,  una originale rilettura in chiave jazz dei più grandi successi di  B. Bacharach,  oltre a tre composizioni originali  da lei scritte. Collaborano con Lei, Andrea Beneventano, Francesco Puglisi, Alessando Marzi, Jerry Popolo, Aldo Bassi, Enrico Bracco.

Nel giugno del 2006 è ospite come vocalist del Cd di Massimiliano Coclite “Live alla Palma”, insieme a Vittorio Matteucci, Fabrizio Bosso, Luca Bulgarelli, Marcello di Leonardo, Fabrizio Mandolini, Bruno Marcozzi, Mauro de  Federicis.

Nel novembre 2003 viene pubblicato il suo secondo Album come cantante solista dal titolo “The Island” (AudioRecords); collaborano con lei Andrea Memeo, Francesco Puglisi, Alessandro Marzi.

Nell’aprile del 2003 viene pubblicato il suo primo Album come cantante solista dal titolo “The Look Of Love” (Alfamusic); collaborano con lei Andrea Beneventano, Francesco Puglisi, Lorenzo Tucci ed Aldo Bassi.

MORE LINKS

>> MySpace Antonella Vitale

>> ALBUM FOTO a cura di robertopanucci.it (necessario login Facebook)

booking and contacts:  cristiana.piraino@gmail.com

LEZIONI DI MUSICA: Henry Red Allen

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Da Wikipedia, l’enciclopedia libera.

Henry “Red” Allen (New Orleans, 7 gennaio 1906 op. 1908 – New York, 17 aprile 1967) è stato un trombettista statunitense, il primo ad incorporare completamente le innovazioni apportate da Louis Armstrong.

Henry James Allen nacque ad Algiers, nelle vicinanze di New Orleans, figlio del famoso band leader Henry Allen. Prese molto presto le prime lezioni di tromba. Appena maggiorenne, nel 1924, iniziò a suonare da professionista con l’Excelsior Brass Band e con varie jazz band, di Sam Morgan, di George Lewis e di John Casimir e a sulle navi da crociera che percorrevano il Missisippi River. Nel 1927 si recò a New York, dove fu scritturato dalla famosa band di King Oliver e dove incise i primi lavori discografici con Clarence Williams.

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Dopo essere ritornato a New Orleans per un breve periodo per suonare con le band di Fate Marable e Fats Pichon, gli venne offerto un contratto discografico con la Victor Records e fece ritorno a New York, dove si unì alla Luis Russell band, che alla fine degli anni ‘30 era fronteggiata da Louis Armstrong, che ebbe dunque modo di conoscere.  La sua musica fu certamente influenzata da Louis Armstrong, sebbene il suo talento personale fu riconosciuto ampiamente dalla critica e molte delle sue registrazioni ottennero grande considerazione.

Dal 1929 al 1934 divenne un apprezzato solista della Luis Russell’s Orchestra. Nel frattempo, nel 1931, fece una serie di incisioni con Don Redman. Nel 1934 si unì alla Fletcher Henderson’s Orchestra e alla band di Lucky Millinder fino al 1937, quando ritornò all’orchestra di Luis Russell, sino allo scoppio della seconda guerra mondiale. Negli anni seguenti Red Allen continuò ad incidere con notissimi musicisti quali Fats Waller, Jelly Roll Morton, Victoria Spivey, Billie Holiday e Benny Goodman. Verso il 1950 iniziò a dirigere una propria band e per molti anni attraversò in lungo e in largo gli Stati Uniti.

Stile ed influenze

Alcuni critici dissero che Red Allen fu il primo a fare proprie le innovazioni apportate al modo di suonare la tromba da Louis Armstrong e che fu capace di andare oltre Armstrong. Le sue registrazioni erano molto apprezzaete e la sua versatilità gli fu riconosciuta con l’assegnazione del premio Down Beat per le categorie di jazz sia tradizionale sia moderno. Nel dicembre 1957 divenne una star del jazz grazie ad alcune sue apparizioni nel leggendario show televisivo “Sound of Jazz”, considerato negli Stati Uniti uno dei migliori programmi televisivi sul jazz di sempre. Nel 1959 si unì alla Kid Ory Band, con la quale fece la sua prima tournee in Europa.

Continuò  a dirigere la propria band e a compiere vari tour in USA e in Europa sino alla morte, avvenuta il 17 aprile 1967 a New York.

 

 

 

LEZIONI DI MUSICA: KING OLIVER

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liberamente tratto da wikipedia

Joe “King” Oliver (19|12|1885 –10|04|1938) all’anagrafe  Joseph Joe Oliver è stato un cornettista jazz e un band-leader. Lo ricordiamo particolamente per la sua maniera di suonare perchè fu il primo a sperimentare l’uso delle sordine. E’ stato anche un compositore notevole, molti dei suoi brani sono suonati ancora oggi con regolarità, come “Dippermouth Blues”, “Sweet Like This”, “Canal Street Blues”, and “Doctor Jazz”. E’ stato il mentore e l’insegnante di Louis Armstrong che in seguito incise due famonissimi brani di Oliver “West End Blues” e “Weather Bird”. La sua influenza su Armstrong fu tale che quest’ultimo un giorno disse  “se non fosse stato per Joe Oliver, il Jazz non sarebbe quello che è oggi”.

Biografia

“Re” Oliver (propriamente Joseph Joe Oliver), rappresenta quel periodo di transizione in cui la musica jazz di New Orleans vide affermarsi la figura del musicista “solista”, consolidando la coscienza della propria autonomia artistica. Venne iniziato alla musica da un certo Kenehen, che aveva fondato una “Brass Band” fra i bambini nella parte alta di New Orleans. Non appena ebbe acquisito dimestichezza con la cornetta, Joe iniziò a suonare con diversi complessi e con svariati musicisti di nomi famosi come la Melrose Brass Band, la Magnolia Band, la Eagle Band; il trombonista Frank Dusen (detto anche Duson), il contrabbassista George “Pops” Foster, Lorenzo Tio sr. e George Baquet, clarinettisti e Johnny St. Cyr, chitarrista e banjoista.

Nel 1917 era già considerato il miglior cornettista in attività quando il proibizionismo determinò la chiusura dei locali di Storyville, il quartiere a luci rosse di New Orleans, famoso anche per le numerose jam sessions dei musicisti che, alla chiusura dei locali, si videro costretti a migrare verso Chicago (ndr. la leggenda, o storia, vuole che la nascita del jazz sia avvenuta proprio a Storyville). Fu proprio durante un ingaggio all’Abadie Cabaret nello Storyville, che la sua reputazione crebbe; tanto che, quando Freddie Keppard, leader della Olimpia Brass Band, partì per una tournée, Oliver ne prese il posto sostituendolo. Quest’esperienza all’Abadie con il pianista-compositore Richard M. Jones all’interno dell’Olimpia Brass Band con Piron hanno fatto sì che Joe consolidasse ulteriormente la sua conoscenza in musica. Già dal 1915 sui manifesti veniva indicato con lo pseudonimo “King”.

Tra il 1910 e il 1920 un milione di persone tra neri e bianchi si spostarono al nord con meta Chicago, compresi molti jazzisti; era nel 1917 che il Ministero della Guerra, con la chiusura dello Storyville, determinò difatti la fine della “prima età del Jazz”. Fu da uno di tali emigrati, il contrabassista Bill Johnson, che Joe “King” Oliver venne chiamato per lavorare al Royal Garden Café con Bill Johnson, Jimmy Noone e Paul Barbarin. Ricevette un ulteriore ingaggio, sempre nello stesso periodo, al Dreamland Café, con il complesso di Lawrence Duke, assieme a Lil Hardin, Sidney Bechet, Roy Palmer, Wellman Braud e Minor Hall; era il principio del 1918.

Nel gennaio del 1920 è direttore d’orchestra al Dreamland, suonando, inoltre, dall’una alle sei del mattino in un cabaret della State Street, famoso per essere il covo dei peggiori gangsters di Chicago.

Il successo

Nel 1921 parte per una tournée in California, ma non la prosegue e, fatto ritorno a Chicago, il Lincoln Garden (così era stato ribattezzato il Royal Garden) annuncia la King Oliver’s Creole Jazz Band. La Band aveva questa formazione: King Oliver e, dall’estate del 1922, Louis Armstrong alla cornetta, Honore Dutray al trombone, Johnny Dodds al clarinetto, Bertha Gonsoulin seguita da Lil Hardin al pianoforte, Bill Johnson al contrabasso e Baby Dodds alla batteria. Con quest’orchestra Oliver riscuote la più sorprendente popolarità, divenendo oggetto di studio per molti musicisti dell’epoca.

King Oliver’s Creole Jazz Band nel 1923

Nel 1923 la Creole Band si sciolse e nel 1924 Armstrong lasciò Oliver per suonare con Ollie Powers prima, e con Fletcher Henderson poi. Nel 1925 diede vita ai Dixie Syncopators (ancora con musicisti eccellenti come Kid Ory, Albert Nicholas e Barney Bigard) e nel 1926 Oliver ebbe un posto come la più grande cornetta jazz del mondo nei Savannah Syncopators al Plantation Café, dove rimase ingaggiato per due anni con la sua orchestra. Il locale chiuse nel 1927 e successivamente andò a fuoco.

Il declino

Ciò rimise Oliver sulla strada; la fortuna e il talento lo fecero approdare al Cotton Club ma, siccome rifiutò il compenso offertogli perché da lui giudicato insufficiente, l’ingaggio venne dato a Duke Ellington che accettò, rimanendo a suonare nel locale per tre anni.

Il declino artistico era tuttavia inesorabilmente iniziato, e a seguito di sfortunate vicende e seri problemi di salute finì dimenticato e in miseria: la morte lo colse mentre lavorava come custode di una sala di biliardo in un paesino della Georgia.

Morì il 10 aprile del 1938 a Savannah.

La sorella, unica componente familiare rimasta in vita, spese tutti i propri risparmi per far trasportare il corpo di Joe a New York dove, il 12 dello stesso mese, presenti Louis Armstrong, Clarence Williams e un gruppo di fedeli amici musicisti, fu sepolto nel Woodlawn Cemetery (Bronx).

ndr. riposa in pace fratello

LEZIONI DI MUSICA: BUDDY BOLDEN

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liberamente tratto da wikipedia

 

Charles “Buddy” Bolden (6 settembre 1877 – 4 novembre 1931) è stato un musicista statunitense, noto specialmente come cornettista. Fu il primo musicista di colore di New Orleans a raggiungere la fama.

Nonostante non ci siano giunte registrazioni della sua musica, Buddy Bolden è considerato da molti l’iniziatore del jazz, attraverso l’improvvisazione, ufficialmente riconosciuto, nel 1917, come genere nato dal ragtime *. Grazie a lui il jazz presto si diffonde in molte parti d’america e lui verra definito come il padre del jazz. Molti dei suoi brani sono ancora oggi molto ascoltati.

Biografia

Charles Buddy Bolden (1877-1931), considerato il primo musicista che iniziò ad improvvisare nell’ambito di un contesto di esecutivo di gruppo. A questa sua consuetudine si fa risalire la transizione del ragtime verso il genere che in seguitò venne riconosciuto come jazz. Riconosciuto virtuoso di cornetta nell’ambiente di New Orleans, è famoso per il suo tono alto e squillante  tanto che i musicisti di quel periodo lo riconoscono come il miglior trombettista. La sua band inizia a suonare verso il 1895 nelle sfilate e nei raduni di New Orleans: da allora, la notorietà del gruppo cresce a tal punto da divenire una delle più popolari formazioni della città.

Nel 1907 la salute mentale di Buddy diede sintomi di instabilità e venne ricoverato presso un istituto di salute mentale dove gli fu diagnosticata la demenza precoce (il nome che allora era dato alla schizofrenia): fin questo istituto Buddy trascorse, rinchiuso, il resto della sua vita.
Frankie Dusen, trombone, diede una svolta alla banda di Bolden e ne cambiò il nome in Eagle Band proseguendo in tal modo la fama acquisita con Bolden fino al 1917, anno universalmente indicato come nascita del jazz. Inoltre sembra che alcuni dei primi musicisti jazz, come Sidney Bechet e Bunk Johnson durante la gioventù, abbiano suonato sporadicamente con la banda di Bolden. A lui si ispirarono inoltre gli altri musicisti di New Orleans come Bunk Johnson, Freddie Keppard tra gli altri.

Discografia

Bolden non ha mai inciso o registrato la sua musica. La ipotesi formulata da Ch.Edward Smith nel 1939 , di un cilindro edison inciso nei primi anni del 900, non ha avuto sinora conferma. Il suo stile è stato in seguito immortalato nel brano, classico del jazz, Buddy Bolden’s Blues (I Thought I Heard Buddy Bolden Say), basato sul tema della canzone Funky Butt dello stesso Bolden. Esistono tentativi di ricreare il suo stile, eseguiti da Bunk Johnson ( che con Bolden ebbe modo di suonare )tramite incisioni effttuate nei primi anni ’40 e pubblicate su American Music 643, su LP giapponese Dan VC 4020, su CD American Music AMCD 16.

Curiosità

La vita di Buddy Bolden fu il soggetto del romanzo di Michael Ondaatje “Coming through slaughter” (New York, 1976)

Il Dr. Sean Spence, professore di psichiatria presso l’università di Sheffield, durante una presentazione alla Royal College of Psychiatrists, nel 2001, ha formulato l’ipotesi che le condizioni mentali di Bolden furono presupposti determinanti che portarono all’attitudine dell’improvvisazione, da cui nacque il jazz; Bolden non era in grado di leggere la musica, quindi improvvisare era l’unico modo in cui potesse suonare. Dalle parole del Dr. Spence:

«  Forse doveva improvvisare perché non sapeva suonare le note in una maniera utile »

«  Non sapeva leggere la musica ed era obbligato a fare a modo suo »

«  Se non ci fosse stata questa musica improvvisata, essa avrebbe continuato ad essere ragtime »

Secondo questa teoria (qui citata per la sua vasta diffusione in internet), il jazz sarebbe stato suonato per la prima volta a causa degli handicap cognitivi di un malato mentale. Per come viene riassunta, questa ipotesi sembra doversi prendere con le proverbiali pinze e per molti motivi:

  • le notizie certe sulla vita e il modo di suonare di Bolden sono rare e in maggioranza insicure o apocrife;
  • la quasi totalità dei musicisti di colore aveva scarsa (o nessuna) dimestichezza con la musica scritta;
  • l’improvvisazione era già diffusa in molte forme di musica nera quando il jazz iniziò il suo cammino.

L’affermazione di Spence che le possibili difficoltà motorie che la malattia forse procurava a Bolden siano alla base del suo ricorrere all’improvvisazione sembrerebbe altrettanto fantasiosa.

*NOTE:  

Il Ragtime è una forma musicale strumentale, prevalentemente pianistica, caratterizzata da un ritmo binario sincopato, che ha contribuito alla formazione del jazz. La parola ragtime in inglese significa tempo stracciato, a brandelli.

NORMA BEATRIZ SANTILLO: LA VOZ DEL TANGO

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NORMA BEATRIZ SANTILLO 

Nasce a Buenos Aires il 24 Gennaio 1961. Nipote d’arte, insieme a suo zio Rodolfo De Fino, per trent’anni primo violino dell’Orchestra di Tango del Maestro De Angelis e attualmente dell’Orchestra tipica di Ernesto Franco fin da piccola ascolta e canta il tango. Inizia il suo percorso musicale nel gruppo stabile di tango e musica folklorica argentina della scuola elementare “Eduardo L. Holmberg” come cantante e musicista di chitarra e bombo.

Studia pianoforte e solfeggio nel “Conservatorio Nacional de Musica Fracassi”. Continua sempre a cantare ed esibirsi a Buenos Aires, ma nel frattempo consegue la Laurea in Economia e Commercio e una opportunità di lavoro la porta a trasferirsi in Italia. Rimane a Milano per tre anni, poi si trasferisce a Londra per sei anni da dove viene a sua volta ritrasferita per lavoro in Italia, precisamente a Roma dove si stabilisce definitivamente.

Ma la sua passione latente verso il canto e il teatro la spingono a riprendere lo studio del canto con Antonella Neri, Susan Long e Delia Surrat e di teatro con Alessia Oteri e insieme ad essi la sua carriera artistica. Torna a Buenos Aires per un anno dove continua la sua formazione come cantante e attrice, studiando tecnica vocal nell’Istituto de la voz e cantando con la fonoaudiologa Marcela Santanocito, mentre per il teatro studia con Alessandro Samec figlio di Alejandra Boero della scuola di teatro Andamio 90.

A Buenos Aires registra i brani del suo CD Algo Diferente, in uscita prossimamente, con arrangiamenti di Pablo Mainetti. Al suo rientro a Roma continua la sua carriera professionale. Studia canto con Rosa Rodriguez e teatro con Alessia Oteri.

Norma è una donna molto forte e decisa. Ha superato di recente una brutta prova, dalla quale è uscita vittoriosa. Questo periodo ha cambiato la sua vita portandola a catalizzare tutte le sue forze sulla musica, che è da sempre la sua ancora di salvezza. Di recente Norma ha iniziato a scrivere brani originali, testi e musica, come il poetico e autobiografico Renacer, che sarà contenuto nel prossimo album della cantante.

 

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